15 mest berømte malerier af russiske kunstnere

Maleri kan kaldes en af de vigtigste komponenter i den russiske kultur. Storslåede landskaber, historiske begivenheder, portrætter af berømte personligheder og almindelige mennesker, kunstneriske emner – alt dette afspejles i prominente kunstneres værker. Takket være deres store talent og hårde arbejde er mange af dem nu kendt ikke kun i deres hjemland, men også i mange andre lande rundt om i verden. I dette udvalg tager vi et kig på femten af de mest genkendelige mesterværker af russiske malermestre.

En oversigt over de mest berømte malerier af russiske kunstnere

“Ridderen ved korsvejen”, Viktor Vasnetsov

Bedømmelse: 5.0

Maleriet “Ridder ved korsvejen” var et vendepunkt i Vasnetsovs liv. Han var allerede kendt som kunstner, men maleriets succes fik ham til at dedikere mange yderligere værker til russiske episke emner. Ideen til dette maleri stammer fra begyndelsen af 1870’erne, hvor Vasnetsov efter at have læst historien om “Ilja Muromets og røverne” lavede de første skitser af. Men den endelige version, der er bevaret i vores tid, blev først færdiggjort i 1882. Den afbildede vityaz i forgrunden står i kontemplation foran stenen, hvis indskrift lyder: “Som en lige vej – jeg skal ikke leve – der er ingen vej for hverken forbipasserende eller forbipasserende”. Den anden del af inskriptionen, der siger, at “At gå til højre er at være en hustru, at gå til venstre er at være en rig mand”, er delvis falmet og delvis overgroet med mos. Kunstneren ønskede at skildre desperationen af ridderens vej, hans skæbne kun i kampe på slagmarken. Kompositionens overordnede dramatiske karakter understreges af de liggende rester af en anden rytter og hest og de sorte ravne. En interessant detalje er, at rytteren holder et infanterispyd i hænderne, hvilket symboliserer krigerens parathed til at kæmpe til fods, selv efter at have mistet sin krigshest.

“Kosakkerne”, Ilya Repin

Bedømmelse: 4.9

Ilya Repin, der er født og opvokset i Chuguev i Kharkov-provinsen, var meget interesseret i Ukraines historie, dets skikke og især dets kosakker. Da historikeren Dmytro Yavornytsky hørte om brevet fra Zaporizhzhya-kosakkerne til den tyrkiske sultan ved et socialt møde, besluttede han derfor at indfange begivenheden på et lærred. Ifølge legenden sendte Sultan Mahmud IV i slutningen af det XVII århundrede, efter at Sich-hæren havde besejret de 15.000 tyrkere, en besked til kosakkerne, hvori han kaldte sig selv “Guds vicekonge” og beordrede dem til frivilligt at overgive sig. Som svar skrev de frihedselskende kosakker med ataman Ivan Sirko i spidsen et ironisk brev, der skitserede hele deres lager af fornærmende metaforer og obskøne sprogbrug. Om den store tyrkiske “solens og månens bror” modtog dette unikke brevværk er ukendt, men det forbliver for evigt i historien om. Inden han gik i gang med maleriet, tog Repin til Ukraine for at studere kossakkernes kultur i Zaporozhian Sich. På den måde svarer den generelle atmosfære og individuelle detaljer som våben og tøj til den pågældende tids virkelighed. Kunstneren afsluttede sit værk i 1891, 13 år efter sin første blyantstegning. Værket blev købt for en stor sum af kejser Alexander III. og vandt senere guldpriser på udstillinger i Tyskland og Ungarn.

“Hestekvinden”, Karl Bryullov

Bedømmelse: 4.9

En af de bedste repræsentanter for den russiske romantik er uden tvivl Karl Bryullov. Hans portræt, The Horsewoman, betager med sine detaljer, perfekte proportioner og kombinationen af udtryk og sindsro. Maleriet blev udført i 1832 til grevinde Julia Samoilova, som Briullov mødte i Rom. Pigen på hesteryg og den lille pige i lyserødt tøj, der kommer hende i forkøbet, er Giovannina og Amacilia, grevindens lærlinge. Kunstneren har mesterligt formidlet handlingsdynamikken; alle karakterer på lærredet er i bevægelse. Han har også bevidst valgt kontrastfarver for at fremhæve billedet af rytteren. Efter at maleriet var færdigt, blev det vist på en udstilling på Brera Academy of Fine Arts i Milano. Italienerne var begejstrede for den russiske kunstners arbejde, og kunsthistorikere rangerede det på linje med van Dyck og Rubens, idet de sagde, at verden aldrig havde set et så udsøgt portræt af en rytter. Maleriet blev opbevaret i grevinde Samailovas private samling indtil 1893, hvor det blev købt til Tretjakov-galleriet.

“Den siddende dæmon”, Mikhail Vrubel

Bedømmelse: 4.8

Vrubel blev inspireret af Lermontovs digt “Dæmonen”, som kunstneren lavede 30 illustrationer til jubilæumsudgaven af. Maleriets hovedperson kombinerer en enorm kraft, som understreges af en muskuløs og anspændt krop, med en mental angst, der tydeligt kommer til udtryk i hans ansigt. Den unge kæmpe sidder på en bjergtop og ser længselsfuldt på den solnedgang, der udfolder sig i den levende verden, som han ikke selv er en del af. Dæmonen er omgivet af fantasifulde klipper og æteriske blomster, der mere ligner krystaller. Dette døde landskab supplerer den melankolske stemning, der skabes af billedet af den portrætterede og hans baggrund, som man kender fra digtet. Mærkeligt nok er dæmonen klædt i en blå kåbe, som traditionelt forbindes med adel og guddommelighed. Blå kåber forbindes ofte med Jesus Kristus. Denne farve er ikke tilfældigt valgt, den fortæller om den himmelske oprindelse af maleriets helt. I forfatterens forståelse er dæmonen ikke en negativ karakter, men snarere et symbol på en oprørsk sjæl, der ikke er i stand til at finde et svar på sin tvivl. Vrubel er en talentfuld maler og billedhugger og skabte værket i sin foretrukne facetterede stil, hvilket fik det til at ligne et glasmosaikvindue. For at opnå en sådan effekt brugte kunstneren flade og store streger med paletkniven.

“Kristi fremtræden for folket”, Alexander Ivanov

Bedømmelse: 4.8

Ivanovs fascination af bibelske emner begyndte i de tidlige faser af hans arbejde og blev fuldt ud absorberet efter hans ankomst til Rom. Her studerede kunstneren hellige tekster, malede Michelangelos mesterværker om og tænkte i stigende grad på tanken om at skabe sit eget lærred, som skulle blive et middel til at formidle kristne ideer gennem kunsten. Han begyndte at arbejde på maleriet i 1837 og færdiggjorde det 20 år senere. Ivanovs tilgang var meget nyskabende for sin tid, da den betød en afvigelse fra akademismens kanoner og en fremhævelse af beskuerens opmærksomhed på den følelsesmæssige komponent. Emnet er en af de vigtigste bibelske begivenheder, som beskrives i det første kapitel i Johannesevangeliet. Mens han malede sit værk, lavede kunstneren omkring 600 skitser, hvoraf de fleste senere blev spredt ud på museer og i private samlinger. Hver enkelt figur på lærredet var omhyggeligt udformet, og nogle af dem havde prototyper fra det virkelige liv for at få deres realistiske udseende. For eksempel er manden med det udtryksfulde blik, der står halvt vendt mod Messias, kopieret fra Nikolai Gogol. Den rejsende med staven, der sidder tæt på John, er Ivanov selv. Men grundlaget for billedet af Jesus var tegningerne af Palermo-mosaikken, skulpturen af Apollon fra Belvedere og… kvindes ansigt. Efter at have færdiggjort maleriet tog kunstneren det med til Sankt Petersborg på et skib. Det er interessant, at maleriet på grund af sin størrelse (750 x 540 centimeter) ikke passede ind i lastrummet, men måtte placeres direkte på dækket. Til Ivanovs store skuffelse imponerede hans livsværk ikke hans samtidige. Det var for dybtgående og nyskabende for perioden. Efter hans død blev maleriet imidlertid købt af kejser Alexander II, som senere donerede det til Rumyantsev-museet.

“Et ulige ægteskab”, Vasily Pukirev

Bedømmelse: 4.7

Vasiliy Pukirev skabte en række malerier i forskellige genrer i løbet af sit liv: landskaber, portrætter, historiske emner, men kun ét af hans værker gav ham universel anerkendelse. Motivet er naturligvis Ulige Ægteskab, malet i 1862. Den fremhævede klart det daværende problem med de unge pigers magtesløshed, som blev givet i arrangerede ægteskaber til uelskede, men velhavende og oftest gamle brudgomme. Næsten hvert andet ægteskab blev indgået af hensyn til økonomisk vinding eller position i samfundet. Billedet af gommen står i skarp kontrast til portrættet af bruden: Han ser arrogant og koldblodig ud, mens hun med nød og næppe kan holde sig fra at græde eller besvime. I baggrunden stirrer ældre mænd, tydeligvis venner af brudgommen, uden videre på bruden, der tydeligvis bifalder det lukrative “køb”. Den unge mand, der står med krydsede ben til højre, og som ligner Pukirev selv på forunderlig vis, fortjener særlig opmærksomhed. Hans samtidige siger, at kunstneren lod sig inspirere af sit eget personlige drama, og at prototypen for den unge brud var Praskovya Varentsova, den pige, som Pukirev var forelsket i, og som giftede sig med en rig, ældre embedsmand. Præsenteret på udstillingen i St. Petersborg, et maleri om et kontroversielt emne tiltrak straks offentlighedens opmærksomhed. Vasily Pukirev blev snart tildelt titlen professor i maleri for dette arbejde.

“Rågerne er ankommet, Alexei Savrasov

Bedømmelse: 4.7

Som en af produktionisterne fokuserede Savrasov en stor del af sit værk på russiske landskaber. Han malede sine berømte “Råger” i 1871 efter sin rejse til landsbyen Molvitino (nu Susanino) i Kostroma-provinsen. Den gamle Voskresenskaya kirke i Molvitsa (bygget i det 17. århundrede) var prototypen på templet i maleriet. Hele historien er meget ligetil, men den formidler perfekt den naturtilstand, der går forud for det forestående forår i landsbyen. Maleriet indeholder ingen klare farver, tværtimod er der grå og brune farver, og der hersker ro og almindelig stilhed. De centrale personer er naturligvis rågerne, hvoraf nogle stadig er på farten, men de andre har allerede fundet deres plads på træerne. Råger vender tilbage til deres hjemland – varsler af varme. Forårsstemning antydes af tøvejr med stående vand og en klar blå himmel, der bryder igennem skyerne. Savrasov har bevidst gjort tårnene lidt større, idet han ofrede realismen til fordel for symbolikken. Mystikken er en mystik fra fuglenes mørke silhuetter, og deres billede kalder uundgåeligt på en sammenligning med genopstandelsen efter en “død” vintersøvn. Den religiøse følelse kan også spores i andre dele af maleriet: bag træerne står et piletræ, hvis grene traditionelt blev brugt i Rusland til palmesøndagens fejring. Kunstneren brugte en kompliceret maleteknik, der kombinerede forskellige metoder til at påføre maling og påføre farvet gesso, glasur osv. Det færdige maleri blev straks købt af samleren og kunstmæcen Pavel Tretyakov, som præsenterede det for offentligheden på en udstilling i Moskva.

“Jægere i hvile”, Vasily Perov

Bedømmelse: 4.7

Dette maleri blev malet af Perov i hans senere kunstneriske fase, i 1871. På dette tidspunkt trak kunstneren sig gradvist tilbage fra at skildre det barske bondeliv og foretrak mindre pessimistiske emner. Tre jægere, der hviler midt på en mark, er hovedpersonerne i maleriet. Den ældste af dem, at dømme ud fra sit ædle udseende, fortæller lidenskabeligt historien og gestikulerer intensivt for at gøre den mere overbevisende… Novicen lytter åndeløst til maleriet, han er så imponeret af jægerens fortællinger, at han endda glemte lyset, som han ville tænde sin cigaret med. En tredje person, klædt som bonde, lytter med et ironisk grin og en tydelig skepsis i ansigtet. Sådanne fortællinger er tydeligvis ikke nye for ham. Et efterårslandskab tjener som baggrund, hvilket gjorde det muligt for maleren at koncentrere sig om værkets hovedfigurer. Bag den åbenlyse komik i situationen ligger en dyb mening: Jægerne personificerer faserne i den menneskelige livscyklus, idet de gennemgår en begejstret ungdom, en erfaren mistroisk modenhed og alderdom, idet de idealiserer minderne fra fortiden. Forfatteren, der selv var en ivrig jæger, har omhyggeligt afbildet fjerkræ, våben og redskaber. Imidlertid er hornet beregnet til jagt med hunde, mens hundene selv ikke er at se, og skovfuglen og haren, der ligger sammen, er forvirrende. Det er ganske enkelt – Perov laver sjov med seeren på denne måde og gør det klart, at han ligesom den gamle fortæller selv ikke har noget imod at forskønne virkeligheden.

“Bogatyrs” af Viktor Vasnetsov

Bedømmelse: 4.7

Folketemaet var meget populært blandt russiske malere i anden halvdel af det 19. århundrede, men for de fleste af dem var det en særskilt milepæl i deres søgen efter deres egen kunst og en kortvarig hobby… Et andet tilfælde Victor Vasnetsov, der helligede sit liv til at udtrykke slaviske episke og legender på lærredet. Hans højdepunkt i skabelsen anses for at være maleriet “Bogatyrs”, som legemliggør det russiske folks ånd, som kunstneren forestillede sig det at være. Han begyndte med små skitser i 1881 og arbejdede hårdt for at samle brikkerne af myter, legender og virkelige historiske fakta sammen… Resultatet blev et sandt mesterværk, som gjorde Vasnetsov berømt for mange generationer fremover. På lærredet ses tre riddere: i midten står Ilya Muromets, på hans højre side Dobrynia Nikitich og på venstre side Aljosha Popovich. Deres billeder personificerer alle sammen Ruslands kreative kraft og de positive kvaliteter hos de mennesker, der bor i Rusland. Muromets har en visdom og århundredgamle traditioner, Dobrynya er stolt af at forsvare sit hjemland, og den unge Aljosha Popovich med harpen er poetisk og følsom over for alle former for skønhed. De mægtige riddere står som tre bjerge, dristige og truende. De foretager en nærmere undersøgelse “for at se, om en snu fjende ligger på lur et sted, om en svag person bliver såret et sted”. Den skyklædte himmel over deres hoveder og de grå klumper af gravpladser i det fjerne skaber en følelse af overhængende fare. Selv om maleriet i sig selv er en kunstners fantasi, er det værd at bemærke, at alle elementer af tøj, seletøj og våben er afbildet meget trofast og svarer til de oprindelige prototyper fra deres tid. Efter færdiggørelsen blev det enorme lærred (der måler næsten fire og en halv til tre meter) købt af Pavel Tretyakov til sit galleri.

“Pigen med fersknerne”, Valentin Serov

Bedømmelse: 4.7

Hans mest berømte maleri Serov skrev i en alder af 22 år, ideen til dette portræt kom helt tilfældigt, da han besøgte Abramtsevo, i Mamontovs ejendom. Han havde kendt mesterens datter Vera Mamontova i lang tid, men da han så den 11-årige pige sidde ved bordet med en fersken i hånden, forstod han pludselig præcis, hvilket portræt han ville male, og hvem den portrætterede skulle være. Det sværeste var at overtale dette rastløse barn til at sidde til en daglig sommersession, ikke bare en dag eller to, da det tog hele par måneder at færdiggøre maleriet. Resultatet er et levende og levende billede, der giver det bedrageriske indtryk af et tilfældigt udvalgt øjeblik fra hverdagen, som om pigen satte sig ved bordet i et øjeblik. Den kedelige baggrund står i kontrast til pigens mørke og rødmende ansigt, hendes lyserøde tøj prydet med en stor sløjfe. Serov brugte impressionistiske teknikker til at male portrættet, hvilket gjorde det muligt for ham at fylde billedet med lys og gøre det varmt og realistisk. Af alle genstandene i rummet tiltrækker skålen på væggen særlig opmærksomhed – den er tydeligvis lavet af kunstneren, som selv var pottemager. Valentin Serov malede et billede og præsenterede det for sin mor Vera. Han vandt senere en pris for dette værk fra Moskva Society of Art Lovers.

“Den sidste dag i Pompeji” af Karl Bryullov

Bedømmelse: 4.6

Efter at have afsluttet sine studier på Kunstakademiet beslutter den unge Bryullov sig for at bosætte sig i Italien for at studere det antikke Roms klassiske kunst. På den tid blev han ofte foragtet af den italienske kunstneriske elite og aristokrati. Og da kunstneren så de arkæologiske udgravninger af den antikke by Pompeii, der blev ødelagt af Vesuv-udbruddet, indså han, at dette var hans chance for at skabe sit eget store kunstværk… Briullov begyndte sit arbejde med at indsamle materiale og skitsere et stort antal skitser: han gik udførligt gennem de gamle gader, undersøgte ruinerne af huse og resterne af mennesker, der var forseglet i den kolde lava. Det anslås, at i alt i Pompeiis gader dræbte omkring to tusinde mennesker. Fem år senere var maleriet, der måler seks gange tre meter, færdigt. Den skildrede scene er i romantikkens stil, på trods af situationens gru er der ikke kaos og menneskemængder. Folket kan konventionelt inddeles i grupper, der hver især oplever deres egen tragedie på baggrund af en global katastrofe. Den centrale figur i kompositionen er en kvinde og et barn, der ligger på fortovet, de repræsenterer den gamle verdens fald og en ny kulturs begyndelse. Billedet har givet Bryullov en stor popularitet i Europa, og hjemme fik han tilnavnet “stor”. Hans værk blev anerkendt som et mesterværk af Pusjkin, Gogol, Lermontov og kejser Nikolaus I, som placerede lærredet i Eremitagen.

“Burlaki på Volga”, Ilya Repin

Bedømmelse: 4.5

Ilya Repin så bådførerne arbejde for første gang i 1869 på Neva, mens han stadig var studerende på Kunstakademiet. Kunstneren var imponeret og tænkte i nogen tid over at male et lærred om emnet. Han tog til sidst til Volga, hvor han begyndte sit maleri med skitser, der viste kontrasten mellem de lejede arbejdere, der trak prammen, og de elegant klædte mennesker, der spadserede langs Volga-kysten. Repin lærte også bådfolkene at kende, holdt øje med dem og kommunikerede med nogle af dem, mens de var på ferie. Han omdefinerede gradvist sin oprindelige idé og valgte i stedet for social uretfærdighed at fokusere på konkrete mennesker og deres forskelligartede karakterer. Hver af de elleve mænd, der trækker den uopnåelige fragtpram, udtrykker sine egne reaktioner på dette anstrengende og tydeligvis underbetalte arbejde. Nogle ser vredt på en uretfærdig skæbne, andre er filosofisk rolige, og en enkelt formår endda at tænde en pibe i processen. I spidsen for de humørbærere står en erfaren ældre arbejdsmand, hvis prototype var den udfoldede præst Kanin, en ny bekendt af Repin. Det stik modsatte af en hårdfør og desværre barsk uformel leder er en ung, lyshåret mand. Han er utålmodig og ved endnu ikke, hvordan han skal håndtere remmene. I det fjerne kan man se en slæbebåd som et symbol på det tekniske fremskridt – den burde befri folk for slid, men af en eller anden grund bruges den ikke – sandsynligvis er bådfolkenes tjenester meget billigere. Efter udstillingen i Sankt Petersborg i 1873 blev maleriet mødt med både stor begejstring og negativitet. Den markerede starten på realismens tidsalder i kunstneriske kredse.

“Boyarina Morozova”, Vasily Surikov

Bedømmelse: 4.5

Surikov, der er født i Sibirien, havde længe været bekendt med både gammeltroende trossamfund i almindelighed og med “Boyaryna Morozova’s fortælling”. Som repræsentant for det højere russiske aristokrati og ejer af en stor formue støttede boyarinaen aktivt tilhængere af den gammeltroende tro og gik dermed imod zaren og patriarken Nikon. Som følge heraf bliver kvinden arresteret og spærret inde i et kloster, hvor hun sulter ihjel. Til sit billede valgte kunstneren det øjeblik, hvor Morozova blev taget til afhøring. Da hun nærmer sig Chudovy-klosteret, holder hun sin lænkede hånd op og viser den gammeltroende tosidighed og lader alle vide, at hun aldrig vil give afkald på sin overbevisning. Ifølge Surkov fik han en forståelse for, hvordan han bedst kunne skabe en komposition, da han så en krage sprede sine vinger i den hvide sne. Desuden kunne maleren i lang tid ikke finde et passende billede til hovedpersonen, indtil han ved et tilfælde så en ældre gammel troende med et meget blegt ansigt på en kirkegård. Maleriet har en symbolsk betydning – det skildrer statens gengældelse af ikke-tro generelt og folks holdninger til det. Ansigterne på de mennesker, der er samlet langs vejen, viser et bredt spektrum af følelser, fra rædsel til hånlig foragt. Maleriet blev vist første gang på en vandreudstilling og blev snart købt til Tretjakov-galleriet.

“Ukendt”, Ivan Kramskoy

Bedømmelse: 4.5

Selv om maleriet er alment kendt, er det også et af de mest gådefulde værker af russiske kunstnere. Maleriet, der er udført i realistisk stil, viser en ung bymodenhed i en vogn på Nevskij Prospekt i Sankt Petersborg. Hendes påklædning var en kombination af alt det, der var på mode i slutningen af det 19. århundrede: en frakke af dyre zobelskind og silkebånd, en muffe af de samme materialer, en fløjlsbaret dekoreret med perler og en strudsefjer og en massiv guldarmbånd på armen. Alle detaljer om beklædning er skildret af forfatteren med stor dygtighed og omhu. De snedækkede gader i byen tjener som baggrund for portrættet, men de er gjort lidt slørede, så de ikke distraherer beskueren fra modellen. At dømme ud fra den trodsigt rige påklædning tilhørte damen ikke de højere samfundskredse, som fulgte visse stilregler. Kunstneren har aldrig afsløret mysteriet om hendes identitet, men den mest accepterede teori er, at hun var en tidligere bondekone, som blev hustru til en rig adelsmand fra Sankt Petersborg, Bestuzhev. Maleriet kom ind i mange private samlinger, men i løbet af årene blev det tilgængeligt for en bred vifte af beskuere og blev spredt over hele landet i form af reproduktioner.

“Morgen i en fyrreskov” af Ivan Shishkin og Konstantin Savitsky

Bedømmelse: 4.5

Det er svært at forestille sig et billede mere berømt i Rusland end billedet af en fyrreskov, hvis panorama er dekoreret med tre friske bjørne ledsaget af en bjørnemor. Shishkin var en kunstner med en skarp fornemmelse for dyrelivets skønhed, og ingen anden var i stand til at skildre regnskovens uberørte vildmark på en så harmonisk, men præcis måde. Kunstnerens omfattende viden om geologi og botanik gjorde det muligt for ham at skabe et mesterværk, der synes at få sit eget liv. Relieffet af barken på et væltet træ, buskene, der vokser ved siden af det, og de skråtstående fyrretræer er tegnet utroligt detaljeret. En dyb kløft i det fjerne er indhyllet i en tæt tåge, hvilket giver en mystisk fornemmelse af et område, hvor der stort set ikke er nogen menneskelig bebyggelse. Den fyrreskov, hvorfra kunstneren malede landskabet, ligger på Gorodomlya Island i Tver-regionen. Det interessante er, at det ikke var Shishkin, der malede de klodsede og morsomme bjørne… De er malet af Savitsky, en fremragende dyremaler. Værket blev første gang præsenteret i 1889 på en vandreudstilling og blev senere købt af Tretjakov. Samler slettede Savitskijs underskrift, fordi hele idéen ifølge ham tilhører Shishkin. Billedet har været populært siden det 19. århundrede og blev i sovjettiden spredt så meget, at det blev en væsentlig del af massekulturen.