Eremitagemuseet i Sankt Petersborg er et kunstpalads, der rummer mange uvurderlige mesterværker. Et af de fem største og femten mest besøgte kunstmuseer i verden. Eremitagen blev grundlagt af Katarina den Store som en privat kejserlig samling, der oprindeligt havde til huse i en lille udbygning. Deraf navnet, for på fransk betyder “ermitage” “sted for ensomhed”. Samlingen voksede betydeligt med tiden, og i 1852 blev den åbnet for offentligheden i 1852. Museet, der består af fem bygninger, har nu mere end tre millioner udstillingsgenstande. Af særlig værdi er samlingen af malerier, der omfatter værker af de bedste kunstnere fra forskellige lande og epoker. Her er tolv berømte malerier, der kan ses på Eremitagemuseet.
En oversigt over Eremitagens mest berømte malerier
| Nominering | sted | Arbejdet | rating |
| En oversigt over de mest berømte malerier i Eremitagen | 1 | “Apostlene Peter og Paulus, af El Greco | 5.0 |
| 2 | “Madonnaen fra Conestabile, Raphael Santi | 4.9 | |
| 3 | “Absinthe Lover”, Pablo Picasso | 4.8 | |
| 4 | “Den fortabte søns tilbagevenden”, Rembrandt Harmens van Rijn | 4.7 | |
| 5 | “En kvinde med et foster i hånden, Paul Gauguin | 4.7 | |
| 6 | “Komposition VI, Wassily Kandinsky | 4.7 | |
| 7 | “Damen i blåt, Thomas Gainsborough | 4.7 | |
| 8 | “Waterloo Bridge. Tågeeffekten, Claude Monet | 4.6 | |
| 9 | “Portræt af skuespillerinden Jeanne Samarie af Pierre-Auguste Renoir | 4.5 | |
| 10 | “Løjtemusikeren”, Michelangelo Merisi da Caravaggio | 4.5 | |
| 11 | “Danaë” af Titian Vechellio | 4.5 | |
| 12 | “Madonna af Benoit”, Leonardo da Vinci | 4.5 |
“Apostlene Peter og Paulus”, El Greco
Bedømmelse: 5.0
Maler El Greco, hvis rigtige navn var Domenikos Theotokopoulos, er præget af sin individuelle stil. De er en blanding af manieristiske og ekspressionistiske træk fra den spanske renæssanceperiode. Maleren menes at have været en af de første til at male apostlene Paulus og Peter sammen. Maleriet viser disse to vigtige kristne personers kontrasterende karakterer og åndelige verdener. En sådan kontrast gjorde det muligt at formidle tidens vigtige religiøse spørgsmål med kunstens sprog. Paulus er vist som en stærk og beslutsom person, hans hånd hviler kraftfuldt på de hellige skrifter, hans blik afslører en urokkelig, næsten fanatisk tillid. I modsætning hertil er Peter personificeringen af refleksion og indre tvivl. Denne fortolkning var helt forskellig fra kirkens normer i slutningen af det 16. århundrede, da maleriet blev malet, men generelt var den helt i overensstemmelse med evangeliet. Apostlen Peter var berygtet for sin flygtighed, mens Paulus, som i begyndelsen var en hård forfølger af kristne, senere blev en lige så ivrig forkæmper for kristendommen.
Forskellen i apostlenes mentale struktur understreges ikke kun af deres ansigtsudtryk og kropsholdning, men også på farverig vis. Kunstneren har fremhævet billedet af Paul med iøjnefaldende mørkerødt tøj, og hans ansigt har også fået en rigere og mere levende farve. I det hele taget skaber kompositionen en atmosfære af ophøjethed og ængstelse, som er karakteristisk for hele den temperamentsfulde El Grecos værk.
“Madonnaen fra Conestabile”, Raphael Santi
Bedømmelse: 4.9
Dette er et af de tidligste værker af den berømte italienske renæssancemaler, som han malede i en alder af 20 år, mens han boede i Perugia. Maleriet blev bestilt af hertugen af Alfano di Diamante. Oprindeligt hed det blot “Madonna med barn”, men dets moderne navn stammer fra dets ejer, Giovanni Conestabile, som arvede maleriet sammen med det luksuriøse palads. Dette mesterværk kom til Rusland takket være kejser Alexander II, som købte det som en gave til sin kone Maria Alexandrovna.
Det lyriske, feminine billede af en mor, der holder sit barn i armene, er sat op mod det bølgende landskab i Umbrien (den italienske naboregion, Toscana). Madonnafiguren med de flydende linjer på skuldrene dækket af et slør ser perfekt ud i det runde maleris ramme. Kompositionen virker meget integreret og harmonisk takket være den ensartede retning af figurernes blikke; både moderen og barnet kigger ind i bogen. Det menes, at Rafael blev inspireret af sine minder om sit hjemlige miljø og sin mor, som døde ung.
“Den elskende i absint” af Pablo Picasso
Bedømmelse: 4.8
I begyndelsen af det tyvende århundrede var temaet om laster og afhængighed ret populært i fransk maleri, især absint. Den ekstremt stærke, hallucinogene drik blev en fetich for den parisiske beau monde. Desuden havde den tyveårige kunstner netop en “blå periode”, hvor han mest malede emner fyldt med ensomhed og fortvivlelse. Maleriets heltinde er vist i al den utiltrækkelighed, der kendetegner en person, som har valgt selvdestruktionens vej. Hun sidder i et hjørne, lukket af, hendes eneste ledsagere er en blå sifon og et glas med en grøn drik. Bag hende på væggen hænger et spejl, der afspejler den farverige verden udenfor, men kvinden foretrækker det frem for sine egne fantasier og hallucinationer, der skyldes virkningerne af den berusende alkohol.
Plottets dramatik forstærkes af absintelskerens forvrængede, overdrevent lange fingre, der lægger armene om sig selv, som om hun forsøger at beskytte sine vrangforestillinger mod virkeligheden. Hun er frosset fast i en unaturlig positur og synes at være blevet et livløst objekt, der er blevet gift med flasken og glasset, der står på bordet. Denne symbolik afspejles både i farvesammensætningen og i ligheden i omridset af kvinden og absintproducenten.
“Den fortabte søns tilbagevenden” af Rembrandt Harmens van Rijn
Bedømmelse: 4.7
Rembrandt skabte et stort antal malerier om bibelske temaer, men et af de mest genkendelige er historien om den angrende fortabte søn, der vender tilbage til sin far efter at have forvildet al sin ejendom. Dette mesterværk blev malet i den sene periode af kunstneren, som ikke kun lagde ind i det ikke kun den akkumulerede erfaring, men også følelserne af tabet af hans søn Titus. Hovedpersonerne er ikke i centrum, men fremhæves i stedet af brugen af lys. Sønnen er på knæ, og faderen er foroverbøjet, og hele hans kropsholdning og udtryk tyder på absolut tilgivelse. Kontrasten mellem familiens rige tøj og den fattige søns ekstremt slidte tøj er meget tydelig.
Maleriet fokuserer ikke så meget på begivenheden, men på den følelsesmæssige oplevelse af deltagerne i dette familiedrama. Ud over faderen og sønnen er der fire andre personer på maleriet, hvis identitet stadig er et mysterium den dag i dag. Rembrandts værk inspirerede den berømte britiske komponist Benjamin Britten i 1967, som kort efter at have set det under en rundvisning på det daværende sovjetiske Eremitagemuseum skrev en musikalsk opera, Prodigal Son, som han så kort efter.
“Kvinde med et foster i hånden”, Paul Gauguin
Bedømmelse: 4.7
Maleriet har også titlen Eu haere ia oe, som betyder “Hvor skal du hen??”og er i det væsentlige den sætning, som tahitianerne hilste på hinanden med, når de mødte hinanden. Gauguin malede det under sit ophold i Polynesien, hvor han søgte inspiration og harmoni med naturen. Den eksotiske vegetation, fuld af levende farver, ølivet og den unikke kultur gjorde et stort indtryk på ham. Men kunstneren var især fascineret af tahitianske kvinder, som adskilte sig stærkt fra europæiske kvinder ved deres enkelhed og primitive ynde. En sådan indfødt kvinde er afbildet i forgrunden med en grønlig frugt i hænderne (der formentlig tjener som vandkar). To andre sidder i nærheden af hytter; en anden ser på afstand og holder et barn i armene. Det er en almindelig episode fra øboernes hverdag, men en episode, hvor Gauguin finder naturens naturlige rytme.
Ønsket om at fange skønheden i eksotiske og stort set uberørte af civilisationen har resulteret i en afvigelse fra næsten alle traditioner og regler for traditionelt maleri. Den individuelle stil, som kunstneren skabte, forudsatte generalisering, overførsel af former og lys med et minimum af midler. Maleriets lyse farvepalet afspejler atmosfæren på en sviende tropisk dag. Og mændenes afslappede, afslappede positurer og de bladmønstrede mønstre på deres tøj symboliserer et åndeligt slægtskab med deres omgivelser.
“Komposition VI” af Wassily Kandinsky
Bedømmelse: 4.7
Kandinsky var en af verdens første abstraktionister. Den russiske kunstners bidrag til udviklingen af dette maleri er så stort, at et separat rum i Eremitagen er blevet afsat til hans arbejde. Skabt i 1913, “Composition VI” er et af de mest interessante værker, de lyse farver og løse streger så godt som muligt afspejler dynamikken i den tumultuøse begyndelse af en ny æra i det tyvende århundredes kunst. Konceptet for lærredet blev oprindeligt udformet efter en skitse om den bibelske verdensflod. Senere besluttede Vassily imidlertid at opgive idéen om at være bundet til en specifik begivenhed og lade beskueren fortolke både betydningen og den følelsesmæssige komponent på egen hånd.
Maleriets objektløse verden fremstår i form af en rytmisk udveksling af kurver, linjer og farvepletter. Ifølge kunstneren er der to kompositoriske centre på lærredet: det lyserøde til venstre, som de blå “bølger” skummer omkring, og det rødblå med grove skarpe linjer. Vekslen mellem ru og glatte dele af lærredet samt balanceringen af gensidigt modstridende elementer bidrog til at opnå det abstrakte motivs integritet.
“Dame i blåt, Thomas Gainsborough
Bedømmelse: 4.7
Værket anses for at være det fineste eksempel på Eremitagesamlingen af britisk maleri. På trods af Gainsboroughs fascination af landskabsmotiver blev han først og fremmest kendt for sine sofistikerede romantiske portrætter. Det menes, at maleriet forestiller hertuginde Elizabeth Beaufort, datter af admiral Boscawen. Kunstnerens vigtigste særpræg var, at han bestræbte sig på at formidle ikke kun skønhed, men også stemning og personlighedstræk i modellens karakter, for at gøre billedet så levende som muligt… Hans værker mangler barokkens overdrevne primitivitet. Et harmonisk farveskema, der kombinerer blå og grå nuancer… Han malede med lette, tætte, lette penselstrøg, nogle gange så tynde, at lærredets stof skinner igennem.
Parykken, der fylder en betydelig del af kompositionen – forfatteren viste dette fashionable element af kvindebilledet i det 18. århundrede med særlig omhu. Hatten med strudsefjer er også et fashion statement, ligesom brugen af hvidt pudder til at mattere skuldrene og endda brystet, da lys hud blev betragtet som et vigtigt kendetegn for aristokratiet.
“Waterloo Bridge. Tågeeffekten, af Claude Monet
Bedømmelse: 4.6
Den franske maler Claude Monet var en af dem, der var en af pionererne i det 20. århundredes ekstremt populære impressionistiske malebevægelse. Han påbegyndte sin maleri-serie med udgangspunkt i Waterloo Bridge i London under et ophold på Savoy Hotel med udsigt over Themsen. Monet var en eksperimentalist og avantgardekunstner og udforskede ofte muligheden for at skabe atmosfæriske tilstande gennem maling. Og selvfølgelig gik han ikke glip af lejligheden til at fange den berømte tåge, der omslutter den britiske hovedstad. Efter at have startet i London færdiggjorde kunstneren værket i sit franske atelier ud fra hukommelsen, idet han ikke så meget overførte byens og flodens konturer som sine egne følelser fra et landskab, han var blevet glad for.
Et maleri af Claude Monet kan bedst ses på afstand, hvor et kalejdoskop af penselstrøg, der ved første øjekast er kaotisk, på magisk vis forvandles til en bro og Themsens vand, der hvirvler i tåge; fabriksskorstene og silhuetterne af flydende både bliver tydeligt synlige. Farvepaletten er domineret af lilla og blå nuancer, der afspejler den melankolske atmosfære i det tågede London.
“Portræt af skuespillerinden Jeanne Samarie”, Pierre-Auguste Renoir
Bedømmelse: 4.5
Kvindernes portrætter var en væsentlig del af Renoirs værk. Hans serie med skuespillerinden Jeanne Samarie, som boede i nærheden af kunstneren og gerne stillede op for ham, er meget kendt. Der blev skabt i alt fire portrætter, der adskiller sig fra hinanden kompositorisk og koloristisk. Maleriet anses for at være et af Renoirs mest impressionistiske værker. Den er kendetegnet ved en løs stil på grænsen til skødesløshed, og den giver en atmosfære af friskhed, ungdommelighed og ubesværet femininitet. Det er værd at bemærke, at maleren har forskønnet Jeannes udseende en smule for at formidle hendes indre charme og kærlighed til livet.
Da maleriet blev vist på den tredje impressionistudstilling, vakte det stor opsigt, og en stor del af offentligheden var ret kritisk over for det. Og det er ikke så underligt, for i slutningen af det 19. århundrede var det dekorative, romantiske maleri stadig efterspurgt, og impressionismen var kun en spirende bevægelse. Desuden blev hans valgte kombination af grøn kjole på en lyserød baggrund anset for upassende. Men i den snævre kreds af kendere blev kunstnerens mod, som ikke fulgte traditionen, men sine egne følelser, mødt med en positiv reaktion.
“Lyttespiller”, Michelangelo Merisi da Caravaggio
Bedømmelse: 4.5
“Lutten er et af Caravaggios tidligste værker, som han bestilte i slutningen af det 16. århundrede af sin mæcen, kardinal Francesco del Monte. Maleriet viser en ung mand, der sidder ved et bord og akkompagnerer sig selv på en lut. På grund af hans bløde androgyne træk blev han i mange år forvekslet med en pige, og lærredet blev endda udstillet på et museum under navnet “The Lute Lady”. Ifølge mange kunsthistorikere blev hovedpersonen malet med Mario Minniti, en ung siciliansk kunstner. Indirekte beviser for, at Caravaggio har malet den pågældende unge mand, er den notesbog, der er åbnet på Jacob Arcadelts “Voi sapete ch’io vi amo” (Du ved, at jeg elsker dig), som var populær i disse år. En kvinde ville ikke have valgt en sådan melodi, for ikke at nævne, at lut traditionelt er blevet betragtet som et mandligt instrument.
Kunstnerens stil var præget af hans beherskelse af skygger, og her kan vi se hans yndlingstrick – at bringe kompositionen ud af mørket med den eneste lyskilde. Alle genstande reflekterer det lys, der falder på dem, i nøje overensstemmelse med fysikkens love. Denne troværdighed kan være et resultat af Caravaggios intime forhold til fremtrædende videnskabsmænd, herunder Galileo Galilei og Giovanni Batista della Porta, forfatteren af et videnskabeligt værk om refraktion. Ifølge den populære opfattelse ligger billedets semantiske betydning i dets samtidige fejring af livets harmoni og dets forgængelighed. Forfatteren malede yderligere to versioner af dette værk, hvoraf den ene nu befinder sig på New Yorks Metropolitan Museum of Art og den anden i den britiske residens Badminton House.
“Danaë”, Titian Vechellio
Bedømmelse: 4.5
Titian, en venetiansk højrenæssancemaler, tog gentagne gange fat på temaer fra den antikke mytologi. Han malede “Danaë” til den spanske konge. Handlingen er baseret på den gamle græske legende om datteren af Acrisius, kongen af Argos. Da kongen hører hoffets orakel, der forudsiger, at hans eget barnebarn vil dø, spærrer han sin eneste datter inde i et uindtageligt tårn, hvor ingen dødelig kan nå. Men den magtfulde gud Zeus, fascineret af hendes skønhed, formåede at trænge ind til Danaë i form af gylden regn. Halvguden og den antikke helt Perseus blev født af denne forbindelse.
Kunstneren skildrer Danaë roligt og majestætisk; hun accepterer en guddommelig kærligheds kærlighed uden at gøre sig bemærket eller endog forbavset. Pigens ansigt er delvist skygget, mens kroppens kurver er badet i et blødt gyldent lys. Titian viser os en slags hymne til sensualitet og kvindens skønhed. Maleren selv kaldte det et digt på lærred.
“Madonna af Benoit”, Leonardo da Vinci
Bedømmelse: 4.5
Maleriet, der også er kendt som Madonna og blomst, blev opkaldt efter sine sidste ejere, det russiske malerdynasti og samlere Benois. Den italienske geni maler skabte dette værk, da han var 26 år gammel, efter at han allerede havde afsluttet sin læretid hos Andrea Verrocchio. Madonna-temaet havde været efterspurgt i kunsten længe før Leonardo, men han var i stand til at puste nyt liv i et almindeligt bibelsk emne. Ved at opgive det ideelle og majestætiske, men livløse udseende, viser kunstneren verden en jordisk Madonna, der er optaget af moderskabets glæde. Hendes unge ansigt er prydet af et smil, som tidligere blev anset for upassende i billedet af Kristi moder. Maria rækker sin søn en korsblomst, der symboliserer korsfæstelsen, frem. Men på trods af den religiøse betydning er det først og fremmest en historie om et lykkeligt familieliv og ønsket om at udforske verden.
Kompositionen har to lyskilder. Et af dem er et lille vindue bag Madonnaen, men det vigtigste lys kommer ovenfra til venstre; maleren “fremhæver” figurerne fra rummets skygger og giver dem volumen gennem et fantastisk spil af lys og skygge. Malet med oliemaling var det muligt at gengive de mindste detaljer i teksturerne på en detaljeret og realistisk måde. Teknikken med oliemaleri var banebrydende for Italien i slutningen af det 15. århundrede, og da Vinci var en af de første til at bruge den i sit arbejde.
Hvilken er din favorit blandt de 12 berømte malerier i Eremitagen?