12 af Claude Monets bedste malerier

Claude Monet, naturkender og grundlægger af impressionismen, en utrolig populær ny tendens inden for maleriet, er blevet et symbol på sin tid. Hvem ville have gættet, at den lille karikaturist ville få stor indflydelse på kunstnere over hele verden og skabe en række fantastiske malerier med en unik, utrolig levende farvesammensætning, der på det tidspunkt, hvor han var ukendt, gav anledning til rygter om, at han var sindssyg?. Nogle af stormesterens fineste malerier er blandt hans mest berømte værker.

Spor af den store impressionist: de 12 bedste mesterværker af det franske geni Claude Monet

Nominering	sted	Arbejdet	rating
En oversigt over Claude Monets bedste malerier	1	“San Giorgio Maggiore i skumringen”, 1908-1912	5.0
2	“Dame i grøn kjole” (Camille), 1866	4.9
3	“Gåture. Dame med en paraply”, 1875	4.9
4	Høstakserien, 1890-1891	4.8
5	Serien “Katedralen i Rouen”, 1892-1893	4.7
6	“Water Lilies”-serien, 1896-1926	4.7
7	“St. Lazare Station”-serien, 1872-1877	4.6
8	“Damer i haven”, 1866	4.5
9	“Indtryk. Den opstigende sol”, 1872	4.5
10	“Morgenmad på græsset, 1866	4.5
11	“Parlamentsbygningerne ved solnedgang, 1900-1901	4.5
12	“Waterloo Bridge i overskyet vejr, 1904	4.4

“San Giorgio Maggiore i skumringen”, 1908-1912

Bedømmelse: 5.0

Et af de mest berømte og betydningsfulde malerier i den store impressionists værk. De fremherskende toner i motivet er orange – netop de nuancer, som kunstneren forbandt med en italiensk bys forfald. En venetiansk katedral og naturligvis vandet skiller sig ud i den farverige baggrund.

Mesteren selv sagde, at maleriet af skumringsbyen blev udført på en usædvanlig måde for ham: ideen om lærredet var så imponerende smuk og fortryllende, at kunstneren arbejdede hektisk og bogstaveligt talt trådte i hælene på solen, der bevæger sig mod solnedgang og dens vandige glød. Monet brugte dramatiske farvekontraster i sine værker, hvilket gav maleriet mere dybde og livlighed.

Da ideen var inspireret af det næsten øjeblikkelige, anvendte Monet en teknik med korte streger og hurtig udfyldning af lærredet med pasta. Sådan lykkedes det ham at fange farvens øjeblik med det samme og præcist gengive lysets spil. Forfatterens hovedformål med sine værker var ikke at formidle et moralsk budskab eller dyb mening til seeren, men at skabe et sanseligt indtryk, der vækker en behagelig følelse, indtryk, ikke for ingenting Monet – en af de lyseste repræsentanter for impressionismen.

“Damen i den grønne kjole (Camille)”, 1866

Bedømmelse: 4.9

Dette portræt viser impressionistens hustru, Camille Donnier, på et tidspunkt, hvor hun endnu ikke var hans kone eller endda hans brud. De havde lige mødt hinanden, og efter et af disse møder besluttede Monet at sætte de intense følelser mellem dem på lærredet. I “Damen i den grønne kjole” har maleren fanget et ærbødigt øjeblik, hvor pigen, der praktisk talt var på vej ud, vendte sig om.

Monet spildte ikke energi på tegningen af baggrunden: alle sine færdigheder fokuserede han på Camille selv – omhyggeligt detaljeret hendes ansigt, nakkens kurve, ansigtsudtryk, selv den lille bevægelse af hånden, kærligt sporet hendes kjole og frakke. Du kan ikke savne luftigheden eller noget æterisk i dette billede: kunstneren forsøgte at vise pigen på en ægte, levende måde. Monet havde ikke brug for et referenceideal: kjolen ser tung ud og synes at trække på gulvet, hvilket indikerer, at den er lavet af tungt stof.

Monet malede det, han så og elskede af hele sit hjerte (på trods af deres korte bekendtskab havde kunstneren tid til at elske pigen lidenskabeligt og inderligt), uden de udsmykninger og komplikationer, der kun ville fornærme Camille. Resultatet er et utroligt levende og dybtgående maleri, der afslører passionen og ærefrygt hos en forelsket ung mand.

“Gåture. Dame med en paraply”, 1875

Bedømmelse: 4.9

Maleriet anses for at være begyndelsen på en serie malerier, hvoraf det første og vigtigste blev malet i 1875. Modellen til portrættet var kunstnerens første kone, Camille. Værket anses for at være det største i den kreative periode i 1870’erne. Lærredet forestiller Camille og hendes søn i den vilde natur nær Colombe og Genivier.

Madame Monet står på halvdelen af ryggen, som om hun pludselig finder beskueren. Hendes kjole flagrer i vinden. Figuren er lidt forskudt til højre, hvilket kompenseres af den skråtstående parasol, hvis kuppel reflekterer den lysegrønne eng. Monets søn står ved siden af, kun synlig i taljehøjde, og kigger intenst på beskueren.

Maleriet er malet fra livet i plein air, sandsynligvis i en enkelt session. Under skabelsen af lærredet bliver malerens arbejde gradvist domineret af et omhyggeligt studie af karaktererne, der erstatter landskabet. Ikke desto mindre glemmer den store impressionist aldrig at give det flygtige sollys videre til beskueren, så billedet ser levende ud.

Et særligt højdepunkt i maleriet kan betragtes som placeringen af den kvindelige figur på lærredet og den lave horisontlinje, som giver maleriet som helhed et monumentalt udseende – en ret usædvanlig præsentation for en fransk impressionist.

Haystacks-serien, 1890-1891

Bedømmelse: 4.8

Monet mente, at landskabet skulle males ved at bevare omgivelsernes farver, form og stemning fuldt ud, og “dette vil føre til en personlig, naiv vision af den situation, som man ser på”. Monet var ikke den første maler, der satte landskabet på lærredet, idet høstakkene var hovedmotivet. Van Gogh, Pissarro, Gauguin og andre store malere har allerede malet om dette emne.

Men Monet udmærkede sig ved at bruge to banebrydende elementer i sit arbejde: hans måde at se lyset på og ved at skabe en række billeder. I dag kan vi takket være kunstnerens hårde arbejde og talent se på mangfoldigheden af et enkelt motiv, afhængigt af tidspunktet på dagen og det skiftende lys.

Monet skrev, at hans mål med sin serie af høstakke var at vise tidens gang. Han klagede over, at om sommeren, når han malede, gik solen så hurtigt ned, at maleren ikke kunne følge med og altid ledte efter det flygtige lysskifte.

I 1888 lavede Monet flere studier af en høstak nær Giverny. Han vender tilbage til det samme emne et år senere, når høsten begynder (sommerhøst og høst). Han arbejdede hårdt i månedsvis og malede marker, der var dækket af sommersolens skær, rødligt-rødlige om efteråret og tæt indhyllet i sne om vinteren.

Sommeren 1890, da mesteren var fordybet i sagen om “Olympia”, ivrig efter at købe maleriet fra Manets enke og give det til Louvre, var det overskyet, med hyppig regn. Monet supplerede sine lærreder i atelieret og fantaserede om den farvestrålende og usædvanlige himmel, han kunne male. De femten malerier i serien, der første gang blev udstillet på Durand-Ruel, blev en bragende succes og blev udsolgt på trods af den høje pris.

Serien “Katedralen i Rouen”, 1892-1893

Bedømmelse: 4.7

Endnu en serie billeder af den store impressionist, men denne gang i centrum af handlingen – den storslåede gotiske katedral i Rouen. For at skabe en hel cyklus af malerier, slog Monet sig ned i nærheden af katedralen og malede fra tidlig morgen til sen aften. Kunstneren var utrolig fascineret af lysets spil på den kolde sten og forsøgte at overføre denne slående kontrast til lærredet.

Monet fokuserede sin opmærksomhed ikke på bygningen som helhed, men på en bestemt del af den: de to tårne: Martin-tårnet og Alban-tårnet. I impressionisternes bevidsthed lignede katedralens elementer en portal, og hvert maleri afbildede denne side af bygningen. Kunstneren har gradvist anvendt flere og flere farver på lærredet i et forsøg på at fremhæve visse detaljer og give maleriet sit eget lys.

Ofte blev arbejdet udført hurtigt, men Monet selv klagede over dette og sagde, at det gjorde det sværere at overføre hans visioner til lærredet. Til tider blev maleren plaget af mareridt, hvor katedralen faldt ned over ham eller forræderisk skiftede farve.

Publikum fik ikke det første glimt af de franske impressionisters mesterværker før 1895, og selv om kritikerne var delte, ændrede mange kunstnere (inklusive udenlandske) deres mening. Næsten øjeblikkeligt blev 8 af malerierne i serien solgt til forskellige samlere. Resten blev på trods af den ret høje pris (ca. 15.000 franc) købt af flere andre impressionistiske kendere.

Serien “Water Lilies”, 1896-1926

Bedømmelse: 4.7

Den enorme cyklus omfatter næsten 250 malerier, hver især et oliemaleri. Nogle af malerierne kan betegnes som monumentale, ikke kun på grund af deres imponerende størrelse, men også på grund af den strålende farvegengivelse. For at gøre sit arbejde mere behageligt byggede maleren et nyt atelier med speciel belysning.

Det er bemærkelsesværdigt, at Monet var så medtaget af arbejdet og imponeret af resultatet, at han ikke ønskede at skille sig af med nogen af malerierne i serien “Water Lilies”, der blev skabt næsten 30 års hårdt arbejde. Disse lærreder begyndte først at dukke op på museer og i private samlinger efter impressionistens død.

Monet var stolt af, at han kunne købe sit eget hus (i Giverny), hvor han anlagde en frodig blomsterhave. Malerierne i serien forestiller akelejer, der vokser specifikt i kunstnerens egen have. Mange af hans malerier blev i øvrigt skabt på et tidspunkt, hvor maleren led af grå stær. Men det hjalp ham sandsynligvis til at bevæge sig væk fra den traditionelle opfattelse af farver og skabe et utroligt spil af farver og nuancer.

Malerier fra “Water Lilies”-serien kan ses på mange museer i hele verden, bl.a. i Paris, New York, Wales og Oregon. Repræsentanter for auktionshuset Christie’s kalder “Water Lilies” af Monet et af de mest anerkendte og betydningsfulde værker i det 20. århundrede, som havde en enorm indflydelse på impressionistiske og modernistiske kunstnere rundt om i verden.

Hans serie “St. Lazare Station”, 1872-1877

Bedømmelse: 4.6

I 1872 kom Claude Monet til ledelsen af St. Lazare og sagde, at han ville skrive en række malerier, og deres hovedmotiv vil være netop stationen. Kunstneren anså stationsbygningen for at være en af de mest imponerende på det tidspunkt og ønskede at formidle sine følelser om den teknologiske fremskridts tidsalder ved at bevæge sig væk fra landskabstemaer.

Da Monet malede efter virkeligheden, gjorde personalet på stationen alt for at gøre Saint-Lazare så spektakulær som muligt. Stationen blev jævnligt rengjort, og selv togene blev malet, og maskinarbejderne sørgede for at lade så meget damp som muligt slippe ind. Storslået panorama greb bogstaveligt talt det franske geni, og som et resultat skrev han så mange som 12 malerier, som skildrede stationen ikke kun i forskellige vinkler, men også i forskelligt vejr og på forskellige tidspunkter af dagen. Dette var kunstnerens første serie, som kort efter blev fulgt op af The Water Lilies og The Stacks.

“St. Lazare Station”-serien, der blev udstillet første gang i 1877, blev en bragende succes. Den berømte franske forfatter Emile Zola ville senere sige, at det var den atmosfære, der blev indfanget af Monets malerier, der inspirerede ham til at skrive romanen “Dyrets mand” om den franske jernbane.

“Damer i haven”, 1866

Bedømmelse: 4.5

Billedet blev betragtet som meget usædvanligt for den samtidige beskuer. Monet ønskede at gøre det klart, at han kun malede, som hans inspiration og instinkt dikterede ham, uden hensyn til akademisk tradition. Den franske landskabsmaler Gustave Courbet, som var en hyppig gæst hos Monet på det tidspunkt, blev ikke kun slået af kunstnerens visioner, men også af lærredets størrelse. Et stort lærred på 255×205 cm var uhåndterligt: maleren måtte sænke det ned i en hejsevind, når han begyndte at male den øverste del af lærredet.

Impressionisten ønskede at gengive lys- og skyggespillet med den største præcision ved at arbejde med de mindste detaljer i motivet. Med sine karakterer i en mindre rolle. Kvinderne på lærredet ser stiliserede ud, og deres ansigter er svære at se. Den ene kvinde står halvt vendt, den anden står med ryggen til ham, og den tredje er skjult bag en buket blomster. Dermed gør kunstneren det klart, at det ikke er den individuelle personlighed, der er vigtigere for ham, men menneskets samspil med omverdenen.

På trods af sin tilsyneladende traditionalisme var maleriet virkelig innovativt: de mange halve vendinger, kjolernes beskårne kanter – alt sammen noget, som ville have været umuligt for en akademisk maler. Billedet “Damerne i haven” blev skrevet i en vanskelig økonomisk periode for Monet, så arbejdet var intenst. Det var et maleri, som han havde planlagt at udstille på Salon de Paris, en af Frankrigs mest prestigefyldte kunstmesser, men juryen lod værket ikke komme igennem. Men da Monet blev berømt, købte den franske regering maleriet “Damerne i haven” for hele 200.000 franc.

“Indtryk. Den opstigende sol, 1872

Bedømmelse: 4.5

Da impressionismens grundlægger malede billedet, troede han, at det var endnu et af hans værker, der aldrig ville blive solgt. Men det var faktisk begyndelsen på en ny retning inden for maleriet. I 1874 blev værket sammen med hans “åndelige brødre” vist på en uafhængig udstilling. Disse unge talenters indsats er dog ikke værdsat af alle.

Således skrev journalisten Louis Le Roy efter at have besøgt udstillingen en kritisk artikel med titlen “Impressionisternes udstilling”, hvori han udstillede kunstnerne for spottere, idet han faktisk sagde, at sådanne “kreationer” driver akademiske malere til vanvid, og gav de dengang ukendte unge mennesker det fornærmende øgenavn “impressionisterne”. Selvfølgelig havde han på det tidspunkt ingen anelse om, at kunstnere i sidste ende ville tage dette kælenavn til sig, som ville blive et velkendt navn og blive en af de mest berømte kunstbevægelser i verden.

I maleriet Impression. Rising Sun” Monet lagde (som altid) særlig vægt på farvegengivelsen, idet han brugte et minimum af farvetoner, men skabte et utroligt levende, realistisk landskab. Grundtonerne er blålige: hele lærredet har en følelse af en kold, fugtig morgen.

Maleren formåede at formidle stemningen i havnen meget præcist: det var sådan, som de lokale så den – lidt dyster, med solens refleksioner på vandet, med himlen, der flyder ud i havet, hvor man svagt kunne skimte silhuetterne af skibe.

“Morgenmad på græsset, 1866

Bedømmelse: 4.5

Undervurderet i sin tid, maleriet med en tragisk skæbne, som blev et sandt symbol på sin tid. Arbejdet med lærredet begyndte i 1865, inspireret af Edouard Manets skandaløst berømte maleri af samme navn, som havde et noget useriøst indhold. Men bortset fra en identisk titel og måske et skovlandskab har malerierne absolut intet til fælles.

Bag oprettelsen af et lærred af virkelig titanisk arbejde, fordi maleriet havde enorme dimensioner – 400×600 cm. Det kræver stor dygtighed at arbejde med et så stort lærred, evnen til at føle og forme en komposition, farver, karakterer osv. korrekt.

Han begyndte sit arbejde på et sted i skoven ved Fontainebleau. Han brugte sin kone Camille og sin ven, “håndværkerkammerat” Frederick Bazil, som forbilleder. Monet malede først skoven i friluftsliv, skitserede derefter figurerne i atelieret og tog derefter ud igen med modeller for at male etuder fra livet. Herefter samlede kunstneren alle elementerne i sit atelier.

Lærredet forestiller en kølig sommer- eller forårsdag. En blåblå himmel kigger gennem det tykke, frodige løv. Her og der bryder små stråler af sollyset igennem. I baggrunden af landskabet hviler en gruppe mænd og kvinder, nogle snakker, nogle sidder og spiser, andre ligger udstrakt på græsset. En følelse af munterhed, skovens friskhed, lethed.

Monet havde oprindeligt malet “Morgenmad på græsset” for at præsentere det i Paris-salonen, men han løb tør for tid, og derfor malede han “Dame i grøn kjole”, som næsten blev accepteret af kritikerne i al hast. Da maleren befandt sig i en vanskelig økonomisk situation, efterlod han det ufærdige lærred som depositum til sin udlejer og besluttede ikke at påtage sig store opgaver, der spiste alle hans penge og skabte ham problemer.

Men hans udlejer havde opbevaret mesterværket skødesløst, og en del af maleriet rådnede simpelthen væk i en fugtig kælder. Efter 7 år købte Monet det tilbage og skar det i 3 dele, så der kun var 2 tilbage (den ene var helt ubrugelig). I dag betragter kritikere maleriet som kunstnerens debut i den dengang nye stil, et sandt flagskib for den forestående revolution i kunsten.

“Parlamentsbygningen ved solnedgang, 1900-1901

Bedømmelse: 4.5

I 1900 glædede Paul Durand-Ruel, der var en urokkelig protektor af impressionismen, sig til Claude Monets ankomst fra den britiske hovedstad. Han skulle medbringe de billeder af Themsenbroen og Houses of Parliament, som han havde lavet under sit ophold i London. Kunstneren bragte værket tilbage, men var utilfreds med skitserne, så han vendte tilbage et år senere for at finpudse lærrederne, og endnu et år senere.

Durand-Ruel modtog først den færdige London-serie i 1904, men ventetiden var det hele værd. En uge senere blev maleriet The Houses of Parliament at Sunset solgt for et flot beløb. Siden da har det været i mange private samlinger i Le Havre, Paris, New York og endda Japan. I 2015 blev lærredet solgt for 40 millioner kroner. Dollars.

Monet beklagede sig over det ustadige vejr i London, mens han malede: “Vejret skifter konstant på grund af skyer og stærk vind… det driver mig til vanvid.”. Naturens tilstande og unikke solskinsøjeblikke afløser hinanden med enorm hastighed, men hvad Monet kunne formidle i sine malerier er uvurderligt. Det, der giver dette maleri en særlig charme, er den usædvanlige, ja, endda dristige effekt – en lysende rød glød, der bryder igennem de tykke skyer.

“Waterloo Bridge på en overskyet dag”, 1904

Bedømmelse: 4.4

Et andet mesterværk fra Monets London-cyklus blev også længe vist på udstillinger. For eksempel blev denne utrolige udsigt over Waterloo Bridge erhvervet af Mikhail Ryabushinsky, en passioneret malerielsker og russisk samler. Han var 37 år gammel, da der fandt en revolution sted i det russiske imperium. Han gemte en del af samlingen, gav en del af den til Tretjakov-galleriet til opbevaring og emigrerede derefter til Storbritannien. Maleriet endte i galleriet hos den ægte antikvitetshandler Wildenstein. Efterfølgende har lærredet skiftet mange ejere – alle usædvanlige personligheder.

Claude Monet kom til den britiske hovedstad med sin kone for at besøge deres søn for første gang og vidste med det samme, at han ville vende tilbage igen. Den store impressionist var imponeret over byens farver og gik i gang med at male det lokale landskab med selvtillid. Han beundrede poesien på visse steder i London, men vejret drev ham til vanvid, hvilket gjorde det mange gange sværere at arbejde og samtidig utroligt spændende.

Da han vendte tilbage fra London, medbragte Monet otte kasser med lærreder (!), og ikke en eneste er blevet afsluttet. Kunstneren brugte flere år på at forfine malerierne og tillod ikke, at nogen af dem blev solgt. Det var først, da alle lærreder var færdige, at de kunne ses af den forbløffede beskuer, både af impressionister og kritikere.